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El próximo 27 de marzo se celebra la 94ª edición de los premios Oscar del cine y aquí repasamos las 10 últimas películas que se llevaron la preciada estatuilla a los mejores efectos visuales
Para hacer una película o serie de televisión hay una gran cantidad de elementos de gran importancia para poder producir un proyecto de calidad, desde la banda sonora, al vestuario, pero si hay uno que destaca por su importancia, son los efectos visuales, capaces de ahorrar costes millonarios a una producción recreando localidades ambientadas en cualquier época, transportarnos a un planeta como Titan, hacer volar a nuestros superhéroes favoritos o hacer que una simple capa haga lo que quiera el director.
Dada la importancia de los efectos visuales en las películas, no es de extrañar que los Oscar quisieran premiar a los ingenieros y artesanos que hacen posible lo inimaginable en las producciones de cine, en la primera edición se presentó el premio a Mejores efectos de ingeniería para la película Wings de 1927, pero no fue hasta la 11ª edición de los premios de la academia, que no se estableció esta categoría como tal, siendo Spawn of the North de 1938 la primera película en ser galardona a mejores efectos visuales.
Desde entonces han sido muchas las películas reconocidas en esta categoría, con directores que han buscado el más difícil todavía buscando ser recordados por los efectos visuales de sus películas, que cuentan con auténticos profesionales, y una legión de fans de estas películas buscando estudiar postproducción y VFX con el sueño de hacer historia en una de ellas. Algunos de ellos en TAI Escuela Universitaria de Artes en Madrid.
Ahora con la 94ª edición de los Oscars a la vuelta de la esquina, y a la espera de cuál será la próxima película en hacerse con tan preciado galardón queremos recordad las 10 últimas películas que lo consiguieron.
La invención de Hugo (Martin Scorsese 2011)
La película dirigida por Martin Scorsese, se desarrolla en el Paris de los años 30 y rendía tributo a uno de los grandes pioneros de los efectos visuales, el francés George Melies. Una de las escenas que más destacan de la película, es una en la que una locomotora no puede parar al final de su recorrido y termina descarrilando y saliéndose de la estación, recreado un accidente que hubo en aquella época, para la que combinaron una gran variedad de técnicas, como el uso del croma, la utilización de 3D en post producción, maquetas y decorados, el resultado fue increíble como podéis ver a continuación.
La vida de Pi (Ang Lee 2012)
Tras un naufragio en medio del océano Pacífico, el joven hindú Pi, hijo de un guarda de zoo que viajaba de la India a Canadá, se encuentra en un bote salvavidas con un único superviviente, un tigre de bengala con quien labrará una emocionante, increíble e inesperada relación. La recreación del tigre y el realismo del mismo le valió la estatuilla aquel año.
El trabajo de efectos especiales corrió a cargo de la compañía Rhythm & Hues, empresa que tuvo un gran reto por delante, ya que muchos pensaban que era una película imposible de filmar, convirtiendo en un verdadero mar la alberca en la que grabaron muchas de las escenas y en la que trabajaron más de 100 artistas. A continuación podéis ver el trabajo de composición para la escena del naufragio.
Gravity (Alfonso Cuaron 2013)
Mientras reparan un satélite fuera de su nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que realiza su primera misión espacial, y el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y se produce el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra.
Gravity fue una de las grandes triunfadoras en aquella edición de los Oscar en la que obtuvo también el premio a mejor dirección para el mexicano Alfonso Cuaron. La cinta también supuso un gran reto para el equipo de efectos visuales de la compañía Framestore, ya que el rostro de Sandra Bullock era a menudo el único elemento físicamente filmado por la cámara, el resto de los elementos, el cielo iluminado por las estrellas, el planeta Tierra, la nave espacial, los escombros e incluso trajes espaciales fueron creados digitalmente para lo que el equipo tuvo que pasar un año entero planificando el trabajo antes de que se pudiera comenzar el rodaje. A continuación podéis ver el proceso que tuvieron que llevar a cabo para la película.
Interstellar (Chirstopher Nolan 2014)
Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores dirigidos por el piloto Cooper y la científica Amelia (Hathaway) emprende una misión que puede ser la más importante de la historia de la humanidad: viajar más allá de nuestra galaxia para descubrir algún planeta en otra que pueda garantizar el futuro de la raza humana.
La película considerada aquel año como una obra revolucionaria, ya que se contó con Kip Thorne, un astrofísico que había ayudado a desarrollar el concepto inicial que acabó dando pie a a la cinta, realizó un exhaustivo trabajo para conseguir que las imágenes que aparecen en pantalla de un agujero de gusano y un agujero negro fuesen todo lo verosímiles que fuese posible. Esos cálculos dieron a pie multitud de páginas de ecuaciones teóricas para el equipo de efectos visuales.
El principal objetivo era conseguir replicar la lente gravitacional provocada por los agujeros de gusano y los agujeros negros. Para evitar cometer cualquier tipo de error, hubo algunas imágenes que llevaron hasta 100 horas de renderizado.
Además, el minucioso trabajo de Thorne y el equipo de efectos visuales trajo consigo un hallazgo científico, ya que la película ofreció una simulación bastante exacta de lo que un ser humano vería al estar en órbita en un agujero negro.
Se descubrió entonces que hay una deformación del espacio alrededor de ellos, los cuales deforman a su vez el disco de acrecimiento, provocando la aparición de un gran halo de luz a su alrededor. Eso sucede porque superficies peculiares en el espacio crean multitud de imágenes de estrellas individuales y del plano brillante de la galaxia que vive dentro del agujero negro. En el vídeo podéis ver cómo fue el proceso y como el equipo de VFX trabajo con Thorne para desarrollar los efectos que vimos en la película.
Ex Machina (Alex Garland 2015)
Nathan, un programador multimillonario con fama de ermitaño, selecciona a Caleb, un joven empleado de su empresa, para que pase una semana con él en un lugar remoto en las montañas con el objetivo de que participe en un test en el que está involucrada su última creación: Ava, un robot-mujer en el que inteligencia artificial lo es todo.
La película fue una de las grandes sorpresas de aquel año, ya que superó a películas como Marte (The martian), Mad Max: Fury road, El renacido o Star Wars: El despertar de la fuerza, todas ellas producciones de mayor presupuesto que la dirigida por Alex Garland.
Para la película el equipo de efectos visuales tuvo que reemplazar digitalmente muchas partes de Alicia Vikander (Tomb Raider) para darle el aspecto de androide que pudo verse en el filme.
El libro de la selva (Jon Favreau 2016)
Nueva versión de Disney de su clásico en acción real, basada en la novela de Rudyard Kipling. En ella sigue a Mowgli, un niño criado en la selva por una manada de lobos, emprende un fascinante viaje de autodescubrimiento cuando se ve obligado a abandonar el único hogar que ha conocido en toda su vida.
Para hacer la película el equipo liderado por Favreau (Iron Man) construyó el impresionante mundo foto realista en un pequeño estudio en California donde se rodaron las escenas para la que contaron con más de 800 artistas gráficos para dar vida al proyecto live action de Disney.
Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve 2017)
Treinta años después de los eventos de Blade Runner de 1982, un nuevo blade runner, K, descubre un secreto profundamente oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento de K le lleva a iniciar la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner al que se le perdió la pista hace 30 años.
Denis Villeneuve optó por relegar el CGI a un segundo plano y limitar su función en gran parte del metraje a enriquecer y añadir detalle al trabajo de Weta Workshop para dar lugar a un mundo tangible y, a su vez, cautivador. Muchos de los planos y escenas, aparentemente cimentados sobre los efectos digitales, están creados con una precisa mezcla entre localizaciones reales de dimensiones titánicas, maquetas y juegos de luces. Se redujo en ella todo lo posible el uso de pantallas verdes, contando con sets, props y entornos reales, para los cuales también construyeron unas increíbles maquetas.
Sin embargo una de las escenas más complicadas de hacer del film, es una en la que la imagen holográfica de Ana de Armas se superpone y sincroniza sobre el cuerpo de la actriz Mackenzie Davis en la escena del trío con Ryan Gosling.
En ella se rodó a ambas actrices por separado, realizando Davis varias tomas de su interpretación hasta que Villeneuve tuviese una que le pareciese óptima. Una vez seleccionada, el encargado de efectos se reunía con la supervisora de guion y hacía un desglose del acting, marcando los tiempos de cada acción de la actriz para poder obtener una réplica perfecta en una segunda toma, esta vez con Ana de Armas como protagonista, a quien se alineaba frente a Gosling utilizando un iPad como referencia para el rostro y posición de sus ojos.
First Man (El primer hombre) (Damien Chazelle 2018)
Cuenta la historia de la misión de la NASA que llevó al primer hombre a la luna, centrada en Neil Armstrong y el periodo comprendido entre los años 1961 y 1969. Un relato en primera persona, basado en la novela de James R. Hansen, que explora el sacrificio y el precio que representó, tanto para Armstrong como para los Estados Unidos, una de las misiones más peligrosas e importantes de la historia de la humanidad.
Paul Lambert quien también participó un año antes en los efectos visuales de Blade Runner 2049, repitió ese año con First man, película para la que no contó con pantallas verdes ni recreaciones por ordenador, buscando ser lo más real posible en el resultado final.
Los principales elementos utilizados para grabar las escenas fueron una pantalla enorme de 18 metros de anchura y 10 de altura, de 180 grados, para recrear la atmósfera e iluminaciones que generen reflejos en el resto de ítems de la escena, algo que hemos podido ver recientemente en la serie The Mandalorian.
Las escenas donde se ven las naves al completo en realidad son maquetas a escala real o al 80% en planos intermedios, ha versiones en miniatura a escala 1/6 y en planos generales, y aunque pueden pasar por reales las generadas por ordenador, se utilizaron versiones a escala 1/30. Los interiores de las naves donde se encontraban los pilotos eran directamente imitaciones a escala real.
La película se grabó con cámaras IMAX para que la experiencia fuese lo más inmersiva posible para que las escenas pareciesen lo más reales posible sin recurrir a efectos generados por ordenador.
1917 (Sam Mendes 2019)
En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield y Blake reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.
Lo más destacable de 1917 es el que parezca un gran plano secuencia toda la película, ya que pesar de que generase la sensación de que la película fue grabada sin cortes, no fue así. No obstante, existen muchos planos y cortes de cámara, los cuales se juntan para simular un solo plano. Sam Mendes, aseguró que existen más de 60 escenas distintas y que la más larga dura siete minutos aproximadamente.
Además de cortar las tomas y unirlas, es necesario hacerlo de una forma precisa para no perder las sensación de estar viendo una sola toma. Por lo que fue necesario grabar en ambientes que fueran lo más parecido posibles, así como realizar correcciones de color y luz, o elementos visuales creados por ordenador.
La película también contó con elementos creados en CGI, como una pelea entre perros, el avión que terminó estrellándose o uno de los soldados que cae al río.
Tenet (Christopher Nolan 2020)
Armado con tan solo una palabra, Tenet, el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal.
Para esta película sorprendente, se optó por menos VFX, que en palabras de su director, «una película romántica». Se prescindió de la pantalla verde, y se recurrió en su mayoría a efectos prácticos, haciendo todo el trabajo en su mayoría con la cámara y editándolo después en postproducción.
Como habéis podido comprobar no todas las ganadores de Oscar tienes por qué tener una gran cantidad de gráficos generados por ordenador. Sigue valorándose positivamente el trabajo muchas veces artesanal, así como la innovación tecnológica utilizada en sus películas.
La triunfadora de 2022
Dune (Denis Villeneuve 2021)
Segundo Oscar a efectos visuales para una película de ciencia ficción del Canadiense Denis Villeneuve que en esta última edición de los Oscar se ha alzado con el galardón con su adaptación de Dune.
En el Año 10191 el desértico planeta Arrakis, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, la materias prima más valiosa de la galaxia, necesaria para los viajes interestelares y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebecca Ferguson) y el hijo de ambos, Paul Atreides (Timothée Chalamet), llegan a Arrakis con la esperanza de mantener el buen nombre de su casa y ser fieles al emperador, pero pronto se verán envueltos en una trama de traiciones y engaños que les llevará a cuestionar su confianza entre sus más allegados y a valorar a los lugareños, los Fremen, una estirpe de habitantes del desierto con una estrecha relación con la especia.
Durante la producción de Dune, DNEG, empresa que se encargó de los efectos visuales de la película, utilizó principalmente 4 herramientas: Clarisse iFX un programa especializado en creación de escenarios así como iluminación y renderizado, el cual fue usado para crear la textura de los gusanos de arena. Autodesk Maya, para animar sus movimientos y finalmente se dio composición a todas las tomas mediante Nuke. Y para cuando los gusanos de arena no son visibles y se mueven bajo la superficie, se creó una simulación de partículas y movimiento con ayuda de Houdini.
Sin embargo a pesar de la importancia de los efectos especiales en la película, su director Denis Villeneuve afirmó que casi no se usaron fuentes de luz externas durante la producción y que durante las escenas en el desierto, únicamente se usó la luz natural del sol. Para ello se tuvo que planear detenidamente cada escena siguiendo estrictos horarios, de manera que se pudiera aprovechar al máximo la luz natural disponible en cada día.
Otra cosa que llama la atención de esta producción es que en vez de utilizar pantallas croma de color verde, que es lo más habitual (también en color azul), para Dune se utilizaron pantallas de color café, debido a que gran parte de la cinta fue grabada en los desiertos de Jordan y los Emiratos Árabes Unidos, el uso de este color en las pantallas permitió que cualquier elemento agregado de manera digital pudiera incorporarse a las escenas de manera más realista.
